Andy Warhol at Tate Modern – Exhibition Tour | Tate

Although our galleries are temporarily closed we wanted to share the Andy Warhol exhibition at Tate Modern with you. Join Tate curators Gregor Muir and Fiontán Moran as they discuss Warhol through the lens of the immigrant story, his LGBTQI identity and concerns with death and religion. Meet the man behind the brand. It's a Warhol you might not know, with some artworks you may not have seen before.

Popularly radical and radically popular, Warhol was an artist who reimagined what art could be in an age of immense social, political and technological change.

Explore the artist's life and career in these 12 rooms.

Popularmente radical y radicalmente popular, Warhol fue un artista que reinventó lo que el arte podría ser en una era de inmensos cambios sociales, políticos y tecnológicos.

Explore la vida y la carrera del artista en estas 12 habitaciones

ROOM 1: ANDREW WARHOLA

Andy Warhol
Self-Portrait 1964
Private Collection
© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.

Andy Warhol produced art at a time of immense social, political and technological change. This exhibition examines Warhol’s subject matter, his experiments in media and the way he cultivated his public persona. It draws attention to Warhol’s personal story and how his view of the world shaped his art.

Born in 1928 in the industrial town of Pittsburgh, Pennsylvania, Andrew Warhola was the third son of Andrej and Julia Warhola. His parents were Carpatho-Rusyn, and had emigrated from Miková, a mountain village in what is now Slovakia. Warhol was brought up Ruthenian Catholic, attending church throughout his life. Religious imagery and the glamour of Hollywood movies interested him from a young age. He would draw with his mother and took art lessons at his local museum. When Warhol’s father died in 1942, he left his savings for his youngest child to go to college, where he studied pictorial design. In 1949, at the age of 21, Warhol moved to New York to work as a commercial illustrator. During this time, he permanently dropped the ‘a’ from his surname. His mother joined him in New York a few years later. She helped with his illustrations and lived with him until shortly before her death in 1972.

As a gay man growing up at a time when sex between men was illegal in the United States, Warhol embraced New York’s queer community of designers, poets, dancers and artists. Warhol’s first exhibitions in the 1950s featured line drawings of young men. Abstract expressionist art dominated the US art world. Warhol was considered too camp, or what some referred to as ‘swish’, and overly connected to the commercial world of advertising illustration to be a serious contender. It would take another decade before he found success as an artist

Andy Warhol produjo arte en una época de inmensos cambios sociales, políticos y tecnológicos. Esta exposición examina el tema de Warhol, sus experimentos en los medios y la forma en que cultivó su personalidad pública. Llama la atención sobre la historia personal de Warhol y cómo su visión del mundo dio forma a su arte.

Nacido en 1928 en la ciudad industrial de Pittsburgh, Pensilvania, Andrew Warhola fue el tercer hijo de Andrej y Julia Warhola. Sus padres eran Carpatho-Rusyn y habían emigrado de Miková, un pueblo de montaña en lo que ahora es Eslovaquia. Warhol fue criado católico ruteno, asistiendo a la iglesia durante toda su vida. Las imágenes religiosas y el glamour de las películas de Hollywood lo interesaron desde muy joven. Dibujaría con su madre y tomaría clases de arte en su museo local. Cuando el padre de Warhol murió en 1942, dejó sus ahorros para que su hijo menor fuera a la universidad, donde estudió diseño pictórico. En 1949, a la edad de 21 años, Warhol se mudó a Nueva York para trabajar como ilustrador comercial. Durante este tiempo, eliminó permanentemente la "a" de su apellido. Su madre se unió a él en Nueva York unos años más tarde. Ella ayudó con sus ilustraciones y vivió con él hasta poco antes de su muerte en 1972.

Como un hombre gay que crecía en un momento en que el sexo entre hombres era ilegal en los Estados Unidos, Warhol abrazó la extraña comunidad de diseñadores, poetas, bailarines y artistas de Nueva York. Las primeras exposiciones de Warhol en la década de 1950 incluyeron dibujos lineales de hombres jóvenes. El arte expresionista abstracto dominaba el mundo del arte estadounidense. Warhol fue considerado demasiado acampado, o lo que algunos llamaron "swish", y demasiado conectado con el mundo comercial de la ilustración publicitaria para ser un serio contendiente. Tomaría otra década antes de encontrar el éxito como artista.

ROOM 2: SLEEP

Andy Warhol
Sleep 1963
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh
© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.

From the start of his career, Warhol used his intimate personal relationships with people to create new ways of looking at the world. His first serious art film was Sleep, made over several nights in summer and autumn 1963 with a 16mm camera. The film shows 22 close-ups of the poet John Giorno, who was briefly Warhol’s lover, as he sleeps in the nude. Warhol was fascinated by the ability of his friends to stay up for days on end while using drugs and wondered whether sleep would soon become obsolete.

Warhol shot around 50 reels of film for Sleep, each one lasting only three minutes. He edited them with Sarah Dalton, who recalled, ‘he asked me to edit it, taking out bits where John moved too much – he wanted the movie to be without movement. I protested that I hadn’t a clue how to edit, but he fished out an old moviola editing machine, showed me how it operated and so to work I went.’ The final version repeats many scenes and lasts over five hours. It is projected in slow motion, giving a dream-like feel.

By documenting a single action with no dramatic narrative, Warhol turned film into something that could be treated like a painting hanging on the wall. John Giorno said that Warhol got round the homophobia of the art world ‘by making the movie Sleep into an abstract painting: the body of a man as a field of light and shadow.’

Desde el comienzo de su carrera, Warhol utilizó sus relaciones personales íntimas con las personas para crear nuevas formas de mirar el mundo. Su primera película de arte seria fue Sleep, realizada durante varias noches en verano y otoño de 1963 con una cámara de 16 mm. La película muestra 22 primeros planos del poeta John Giorno, quien fue brevemente amante de Warhol, mientras duerme desnudo. Warhol estaba fascinado por la capacidad de sus amigos de permanecer despiertos durante días mientras consumía drogas y se preguntó si el sueño pronto se volvería obsoleto.

Warhol filmó alrededor de 50 carretes de película para Sleep, cada uno con una duración de solo tres minutos. Los editó con Sarah Dalton, quien recordó: ‘me pidió que lo editara, sacando pedazos donde John se movía demasiado; quería que la película estuviera sin movimiento. Protesté porque no tenía idea de cómo editar, pero él sacó una vieja máquina de edición moviola, me mostró cómo funcionaba y así que trabajé ". La versión final repite muchas escenas y dura más de cinco horas. Se proyecta en cámara lenta, dando una sensación de sueño.

Al documentar una sola acción sin narrativa dramática, Warhol convirtió la película en algo que podría tratarse como una pintura colgada en la pared. John Giorno dijo que Warhol evitó la homofobia del mundo del arte "al convertir la película Sleep en una pintura abstracta: el cuerpo de un hombre como un campo de luces y sombras".

ROOM 3: POP

Andy Warhol
Elvis I and II 1964
Art Gallery of Ontario, Toronto. Gift from the Women's Committee Fund, 1966
© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.

Although he was a successful illustrator, Warhol still wanted to be taken seriously as an artist. Inspired by the new wave of art he saw in New York galleries, in 1960 he started making hand-painted pictures combining advertising imagery with expressive painting. This soon gave way to a clean graphic style now known as Pop Art. Warhol grew up eating watered-down ketchup with salt for soup. His images of consumer items such as Campbell’s soup cans are rooted in his experience of an emerging aspirational culture, selling a dream of economic and social progress.

Warhol was eager to speed up the process of replicating his images, so in 1962 he adopted the commercial production technique of screenprinting. He began to use photographs from newspapers and magazines, often depicting traumatic scenes. Screenprinting meant he could reproduce photographs onto canvas multiple times. While the printing process removed the artist’s hand, Warhol often allowed his screen to be over or under-inked. This created effects that disrupted the images. The face of film star Marilyn Monroe became almost mask-like, while the emotional impact of the news images in his Death and Disaster series was both emphasised and undermined. Some images, such as Pink Race Riot (Red Race Riot), which depicts peaceful civil rights campaigners being attacked by police, connected his work to broader social struggles and forced viewers to look at the world around them.

Warhol said creating pop art was ‘being like a machine’, as the process was often machine-like or mechanised. He then said, ‘everybody should be a machine’, as machines don’t discriminate. If we were all machines then ‘everybody should like everybody’, whatever their gender. Warhol’s open and fluid approach to his subject matter, to people, and the relationships between them, spoke to a decade of social change.

Aunque fue un ilustrador exitoso, Warhol aún quería ser tomado en serio como artista. Inspirado por la nueva ola de arte que vio en las galerías de Nueva York, en 1960 comenzó a hacer cuadros pintados a mano combinando imágenes publicitarias con pintura expresiva. Esto pronto dio paso a un estilo gráfico limpio ahora conocido como Pop Art. Warhol creció comiendo ketchup aguado con sal para la sopa. Sus imágenes de artículos de consumo como las latas de sopa de Campbell se basan en su experiencia de una cultura aspiracional emergente, que vende un sueño de progreso económico y social.

Warhol estaba ansioso por acelerar el proceso de replicar sus imágenes, por lo que en 1962 adoptó la técnica de producción comercial de serigrafía. Comenzó a usar fotografías de periódicos y revistas, a menudo representando escenas traumáticas. La serigrafía significaba que podía reproducir fotografías en lienzo varias veces. Si bien el proceso de impresión eliminó la mano del artista, Warhol a menudo permitía que su pantalla se entintara o subestimara. Esto creó efectos que interrumpieron las imágenes. La cara de la estrella de cine Marilyn Monroe se volvió casi como una máscara, mientras que el impacto emocional de las imágenes de las noticias en su serie Death and Disaster fue enfatizado y socavado. Algunas imágenes, como Pink Race Riot (Red Race Riot), que representa a activistas pacíficos de derechos civiles atacados por la policía, conectaban su trabajo con luchas sociales más amplias y obligaban a los espectadores a mirar el mundo que los rodeaba.

Warhol dijo que crear arte pop era "ser como una máquina", ya que el proceso a menudo era como una máquina o mecanizado. Luego dijo: "todos deberían ser una máquina", ya que las máquinas no discriminan. Si todos fuéramos máquinas, entonces "a todos debería gustarles todos", sin importar su género. El enfoque abierto y fluido de Warhol sobre su tema, las personas y las relaciones entre ellos, habló de una década de cambio social.

Si quieres saber más sobre esta interesante exposición, en el "Tate Modern", puedes ingresar a la guía, aquí